Лекции по Истории русского искусства

Введение в историю культуры
Христианская культура Руси
Культура Владимире-Суздальской Руси
Культура России в XVI в
Русская культура XVII в
Культура эпохи Петра Великого
Культура России 1725–1800 гг
Золотой век русской культуры
Культура второй половины золотого века
Лекции по Истории русского искусства
Культура восточных славян и древнерусское
искусство X-XIII веков
Деревянная архитектура древних славян
и Древнерусского государства
Искусство Древней Руси XIII – середины XV вв.
Искусство Руси второй половины XV – начала XVI вв
Искусство Руси XVII вв.
Искусство Руси XVIII в.
Искусство Руси второй половины XVIII в.
Искусство второй половины XIX в.
Архитектура русского модерна.
Авангард. Архитектура конструктивизма
ВХУТЕМАС
Преподаватели ВХУТЕМАСа
 

Искусство Руси XVIIIв.

Россия в это время интенсивно осваивает опыт западноевропейских стран, ликвидируя свое двухсот- трехсотлетнее отставание. Этот процесс шел несколькими путями: приобретением за границей готовых произведений искусства; привлечение иностранных специалистов; для подготовки отечественных кадров отправление русских людей за государственный счет за границу в качестве пенсионеров.

Центр творческих усилий сосредоточен в Петербурге (он связывает Россию с Западом). Москва более взаимодействует с провинцией. В ней остались работать старые мастера и не желающие учиться новому молодые художники. Провинция в первой четверти XVIII века испытывает слабое воздействие новшеств.

В архитектуре наиболее важной задачей становится приобщение к общим закономерностям античной, ренессансной, барочной и зародившейся во Франции архитектуре классицизма. Прямоугольные, лучевые, веерные планировки городов, соблюдение красных или «фасаднических» линий, взаимодействие несущих и несомых частей на основе классического ордера, анфиладное расположение интерьеров, сложившиеся приемы сочетания парадных и второстепенных помещений – черты, заимствованные русским зодчеством.

В первой четверти XVIII века бурно строится Петербург. На Васильевском острове было положено начало культурно-просветительскому и административному центру. Композиционным центром острова становится Петропавловская крепость.

Петропавловский собор, первоначально деревянное здание, а затем воплощенное в камне, является наиболее крупной работой Доменико Трезини (1670-1734), родившегося в Швейцарии и приглашенного в Россию из Дании. Храм – трехнефная базилика. Единый массив колокольни расчленен на ярусы – этажи. Голубая с белым цветовая гамма была новой для того времени. Здание Двенадцати коллегий спроектировано Трезини совместно с Земцовым. Важным становится введение пилястр на фасадах, которые объединяют этажи и укрупняют фасады зданий. Например, здание Кунцкамеры (арх. Г. И. Маттарнови, Н. Ф. Гебель, Г.Кьявери, М.Г. Земцов). Принципы регулярной композиции (Летний сад) получили дальнейшее развитие при создании пригородных резиденций – Петергофа, Ораниенбаума, Стрельны.

Предпринятое при непосредственном участии М. В. Ломоносова основание МГУ (1775г.), Академии художеств(1757 г.), возникновение русского театра оказали непосредственное воздействие на искусство.

К середине века смягчается противостояние древний средневековых традиций и нового в архитектуре.

Расцвет русского барокко связан с творчеством Франческо Барталомео Растрелли (1700 – 1771). Загородные построенные им резиденции Петергофа и Царского Села (Екатерининский дворец в г. Пушкин) состоят из симметричных корпусов и связующих галерей. Интерьеры украшены позолоченной резьбой и лепниной, янтарем и бронзой, узорами паркета и многоцветной живописью. Упругие побеги и раковины (рокайли) почти не оставляют свободных полей стен. Помимо сооружений дворцов и богатых частных домов Растрелли занимается крупным монастырским строительством. Начиная с 40-х гг. на смену базиликальной композиции храма приходит центрическая. В соборе Смольного монастыря Растрелли использовал принцип «золотого сечения». Архитектор придает пятиглавию этого собора небывалую компактность.

Во главе московской архитектурной школы находился Ухтомский Д. В. Многоярусная колокольня Троице-Сергиевской лавры (арх. И.Я.Шумахер, Н.Ф.Мигурин, Д. В.Ухтомский) органично вошла в ансамбль монастыря. Московская колористическая гамма чаще всего остается прежней – красно-белой , декоративному резному и лепному убранству возвращается обилие и узорная пышность.

В XVIII веке складывается искусство станковой картины. На смену обратной перспективы приходит прямая. Первые шаги становления портрета связаны с деятельностью живописной мастерской Оружейной палаты. Это создание так называемых парсун. Среди парсун выделяются два основных вида:

портрет-тезис – наиболее архаичный, имеющий многочисленные поясняющие подписи;

портрет-апофеоз, символизирующий ратные подвиги (портреты в рост Петра I, Шереметьева, Меньшикова).

При этом пространство парсун трактуется символически, существует нарушение масштабности. Скурпулезная передача орнамента одежды и различных деталей придает полотну повышенное декоративное звучание. Здесь в одной работе соединяются подчеркнуто выпуклое написание лица и плоскостное одежды. Образ парсуны сосредоточен на самом себе.

Как свидетельство незавершенности перехода от средневекового письма к новой живописи следы парсун можно обнаружить и в произведениях ведущих художников первой половины XVIII века И. Никитина, И. Вишнякова, А. Антропова.

Основателем новой русской живописи считают Ивана Никитина (1680-1742). Сын священника, он был певчим в патриаршем хоре, потом учителем рисования и «цифири» (арифметики) в артиллерийской школе. Заметив склонность юноши к искусству, Петр 1 определил его сначала в ученики к иностранному художнику (вероятно к Таннауеру), а в 1716 году послал вместе с его братом Романом, тоже художником, в Италию. Через четыре года художник возвращается из Флоренции зрелым мастером. Его работы: «Портрет Петра I» 1721 г., «Портрет канцлера Г. Головина» 1716 г., «Портрет напольного гетмана» 1720-е гг. Картины И. Никитина часто схожи по композиции и формату. Автора привлекает отражение характера человека. После смерти Петра I находится в оппозиции к власти. Его арестовывают, ссылают в Сибирь, в 1741 г. выходит указ о его освобождении, по дороге в Петербург художник умирает.

А. Матвеев (1701/02 – 1739), посланный учиться в Голландию, вернулся на родину уже после смерти Петра I в 1727 г. Загруженный заказами на батальные сцены, плафоны и декоративные панно для дворцов, художник, возможно, не полностью проявил свое дарование. Среди его произведений «Венера и Амур» и «Аллегория живописи» свидетельствовали о трудном освоении мифологического сюжета. “Автопортрет с женой» 1729 г. – наиболее известная работа Матвеева. Тонкое, интимное чувство впервые представлено на обозрение. Живопись богата мягкими колористическими переходами.

Живопись середины века.

Одно поколение художников сменяло другое и можно проследить непосредственную преемственность мастеров: А. Матвеев – А. Антропов – Д. Левицкий – В. Боровиковский – А. Венецианов.

А.П. Антропов (1716-1795) являлся наиболее ярким выразителем национального варианта барокко. Небольшие по формату, с довольно однообразной грузноватой посадкой фигуры, портреты Антропова перекликаются с приемами иконописания, с характерным для него контрастом объемного «личного» и плоскостного «доличного» письма («Портрет атамана Ф.И.Краснощекова» 1761г., «Портрет Т. А. Трубецкой» 1761г., «Портрет А. М. Измаиловой»).

Парадные портреты И.Я. Вишнякова напоминают искусство рококо. Мастер наделяет свои модели тонкой одухотворенностью, теплотой затаенных чувств, трогательной незащищенностью соединенной с несколько наивной торжественностью композиции («Портрет Сарры Фермор» 1749г.).

На творчество И.П. Аргунова (1729-1802) во многом повлияло его положение крепостного. Его образцами были произведения современной западноевропейской живописи (стиль рококо), работы придворного мастера Гроота, с которым он был связан ученичеством. В обширном наследии мастера преобладает полупарадный вариант портрета, обычно предполагающий поколенный срез фигуры. Значительная часть моделей – многочисленное семейство его хозяев – Шереметьевых, и их предки. Качество интимного портрета, доброжелательное приглашение к соучастию начинают проявляться и в изображении равных ему по положению и умонастроению людей («Портрет К. А. Хрипунова» 1757 г.).

Георг Гроот (1716-1749) немец по происхождению, сообщает своим произведениям привкус гротескности.

П. Ротари (1707-1762) – итальянец, снискал огромную популярность благодаря «портрету-головке». Он изображает миловидные женские модели в грациозных поворотах, то одетые в маскарадные костюмы, то скрывающие смеющиеся лица за веерами и муфточками («Головка девушки»).

Гравюра – очень важный вид искусства XVIII века. Оно доносит до зрителя живой отклик событий: извещает о крупных сухопутных и морских баталиях, великолепных фейерверках и торжественных процессиях, изображает виды городов и портреты современников.

Наиболее значительная роль в этой области принадлежит А. Ф. Зубову (1682/83 – 1749). Он изображает морские баталии и Петербург. В «Панораме Петербурга 1716г.» Зубов несколько искажает топографические особенности застройки, совмещая в пределах одной композиции наиболее выгодные ансамбли и упуская второстепенные элементы.

М.И. Махаев (1718-1770) известен серией гравюр с видами Петбурга, исполненных в 1753 году. Он использует возможности перспективы.

Гравюра является в это время своеобразным посредником между живописью и зрителем, выполняя роль репродукции.

Скульптура.

Б.К. Растрелли (1675-1744) приехал в Россию в 1716 году. Бронзовая «Статуя императрицы Анны Иоановны» – барочная скульптура, напоминающая работы Бернини.

После смерти Б.К. Растрелли в 40-50х гг. скульптура развивается в основном как монументально-декоративная, подчиненная потребностям архитектуры.

Лекции по Истории русского искусства