Лекции по Истории русского искусства

Введение в историю культуры
Христианская культура Руси
Культура Владимире-Суздальской Руси
Культура России в XVI в
Русская культура XVII в
Культура эпохи Петра Великого
Культура России 1725–1800 гг
Золотой век русской культуры
Культура второй половины золотого века
Лекции по Истории русского искусства
Культура восточных славян и древнерусское
искусство X-XIII веков
Деревянная архитектура древних славян
и Древнерусского государства
Искусство Древней Руси XIII – середины XV вв.
Искусство Руси второй половины XV – начала XVI вв
Искусство Руси XVII вв.
Искусство Руси XVIII в.
Искусство Руси второй половины XVIII в.
Искусство второй половины XIX в.
Архитектура русского модерна.
Авангард. Архитектура конструктивизма
ВХУТЕМАС
Преподаватели ВХУТЕМАСа
 

Русское искусство 1870-1917 гг.

Архитектура русского модерна.

На рубеже веков сложился стиль, затронувший все пластические искусства, начиная, прежде всего, с архитектуры, в которой долго господствовала эклектика, и кончая графикой, получивший название стиля модерн. Модерн – синтез архитектуры, живописи и декоративных искусств. В скульптуре модерн проявился текучестью форм, особой выразительностью силуэта. В живописи – символикой образов, пристрастием к иносказаниям.

Этот стиль нашел отражение прежде всего в московском зодчестве, постепенно вырабатывая характерные признаки: отрицание симметрии; внимание к внутреннему декоративному убранству, которое строится на соотношениях гнутых форм и линий; создание архитектурных сооружений “изнутри – наружу”.

Ф. О. Шехтель (1859-1926) – московский архитектор, строит доходные дома, особняки, здания торговых фирм, фокзалы, где оставляет свой характерный подчерк. Еду свойственно органическое наращивание объемов, резной характер фасадов, использование балконов, крылец, эркеров, введение в архитектурный декор стилизованное изображение лилий или ирисов, применение витражей, разной фактуры материалов, введение мозаичного фриза, поясов из поливных керамических плиток (Особняк Рябушинского у Никитских ворот в Москве, 1900-1902; здание Ярославского вокзала в Москве, 1903).

Иногда традиции древнерусской архитектуры трактуются через приемы модерна (Казанский вокзал в Москве, 1913-1926, арх. Щусев; Старое здание Третьяковской галереи (1901-1906, арх. В. М. Васнецов).

Модерн получил развитие и в Петербурге. Архитектор Сюзор в 1904-1906 гг. строит здание компании Зингер на Невском проспекте (теперь Дом книги). Здесь земная сфера на крыше здания символизирует международный характер деятельности фирмы. В облицовке здания использованы ценные породы камня (граним, лабрадор), бронза, мозайка.

Но на петербургский модерн оказал влияние классицизм(особняк А. А. Половцева на Каменном острове в Петербурге, 1911-1913 гг., арх. И. А. Фомин). Наиболее интересными выразителями этой тенденции стали Ф. И. Лидваль, Н. Ляличев, В. Щуко (гостинница “Астория”, арх. Ф. И. Лидваль).

В изобразительном искусстве к модерну близки “мирискуссники”, Врубель (“Сирень”, “Пан”), К. Серов (“Портрет Иры Рубенштейн”, “Похищение Европы”).

Жанровая и историческая живопись, пейзаж конца века.

В 90-х гг. продолжает развиваться жанровая живопись.

Сергей Васильевич Иванов (1846-1910) применяет в картинах импрессионистический прием «частичной» композиции («В дороге. Смерть переселенца», «Расстрел»). Для художника характерны резкие светотеневые контрасты, выразительный контур, плоскостность изображения.

Андрей Петрович Рябушкин (1861-1904) работает в историческо-бытовом жанре. Рябушкина привлекает XVII век («Русские женщины XVII столетия в церкви», «Едут») с его праздничной нарядностью, полихромией, узорочьем. Стилизация отражена в плоском изображении, линейных ритмах, колорите, построенном на ярких, мажорных оттенках.

Архитектуру Москвы XVII века изображает на своих картинах Аполлинарий Михаилович Васнецов (1856-1933) («Москва конца XVII столетия. На рассвете у Воскресенских ворот», «Улица в Китай-городе. Начало XVII века»). А. М. Васнецов преподавал в пейзажном классе Московского училища живописи, ваяния и зодчества (1901-1918). Как теоретик, он изложил свои взгляды в книге «Художество. Опыт анализа понятий, определяющих искусство живописи» (М., 1908), в которой выступил за реалистические традиции в русской живописи. Васнецов являлся также учредителем «Союза русских художников».

Живопись Архипова Абрама Ефимовича (1862-1930) обладает экспрессивной выразительностью. В картине «Прачки» «скользкий» мазок делает осязаемо-ощутимой застойную сырость влажного воздуха.

К теме Древней Руси обращается Михаил Васильевич Нестеров (1862-19342). Образ Руси – идеальный, почти зачарованный мир, находящийся в гармонии с природой, но навек исчезнувший подобно легендарному граду Китежу. Его герои наделены высокой духовностью, им чужда мирская суета(«Видение отроку Варфоломею»,1889-1890; «Христова невеста», 1887; «Пустынник», 1888). Несколько картин посвящено образу Сергия Радонежского («Юность преподобного Сергия», 1892-1897; триптих «Труды преподобного Сергия», 1896-1897; «Сергий Радонежский», 1891-1899). М. В. Нестеров много занимался религиозной монументальной живописью: вместе с В. М. Васнецовым расписывал Киевский Владимирский собор, самостоятельно – обитель в Абастуме (Грузия) и Марфо-Мариинскую обитель в Москве. В стремлении художника к плоскостной трактовке композиции, нарядности, монументальности, утонченной изысканности пластических ритмов проявилось несомненное влияние модерна. У Нестерова пейзаж играет одну из главных ролей. «Я люблю русский пейзаж, - писал художник, - на его фоне как-то лучше, яснее чувствуешь и смысл русской жизни, и русскую душу».

Собственно пейзажный жанр развивается в конце ЧШЧ столетия также по-новому. Левитан завершил искания передвижников в пейзаже. Новое слово предстояло сказать К. Коровину, В. Серову, М. Врубелю.

Константин Алексеевич Коровин (1861-1939) занимался и портретом и натюрмортом, но любимым его жанром был пейзаж. Учителями Коровина по Московскому училищу были Саврасов и Поленов. Он учился вместе с Левитаном и являлся ярким представителем русского импрессионизма. В картине «Зимой» ставит задачу написать серое и черное на белом. Во время поездки во Францию пишет серию картин под общим названием «Парижские огни», очень близкую по манере французским импрессионистам. Его картины отличает фрагментарность композиции, необычная точка зрения, динамика мазка. С 1880-х до 1910-х в его творчестве преобладал пейзаж, с 1910-х мастер обращается к натюрморту («Рыба, вино и фрукты», 1916). При сохранении праздничности колорита, композиция становится более конструктивной. Живопись для Коровина – «пиршество для глаз». Коровин вошел в историю живописи как мастер этюда с его прелестью незаконченности. Будучи великолепным театральным декоратором, он неоднократно обращается к монументальным формам декоративного панно. Коровин дружил с Шаляпиным.

Валентин Александрович Серов (1865-1911) являлся учеником Репина и Чистякова, изучал лучшие музейные собрания Европы. Его «Девочка с персиками» (портрет Веруши Мамонтовой, 1887) и «Девушка, освещенная солнцем» (портрет Маши Симонович, 1888) – целый этап в русской живописи. Портреты написаны в мягкой импрессионистической технике, лепка формы динамична. Свободный мазок создает впечатление сложной свето-воздушной среды, но художник не растворяет предметы в ней, он не теряет цельной обобщенной характеристики модели. Серов часто пишет портреты интеллигенции (Левитана, Горького, актрисы Ермоловой). В портрете княгини О. К. Орловой (1911г.) некоторые детали утрированы (огромная шляпа, длинная спина, острый угол колена), подчеркнута роскошь интерьера. Это позволяет создать автору почти гротесковый образ аристократки. Серов работал маслом, гуашью, темперой, углем. Интерес к XVIII в. возник у Серова под влиянием «Мира искусства» и в связи с работой над изданием «Истории великокняжеской, царской и императорской охоты на Руси». «Похищение Европы» – картина близкая к стилю модерн, который проявляется у автора в работах на исторические и мифологические сюжеты.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) до Академии художеств окончил юридический факультет Петербургского университета. В 1884 г. он едет в Киев руководить реставрацией фресок в Кирилловской церкви и сам создает несколько монументальных композиций. Врубель делает акварельные эскизы росписей Владимирского собора. В 1890-е гг., когда художник обосновывается в Москве, складывается полный таинственности и силы стиль письма Врубеля. Он лепит форму как мозаику, из острых и граненых кусков разного цвета («Девочка на фоне персидского ковра», 1886; «Гадалка», 1895). Цветовые сочетания имеют символическое значение. Врубель тяготеет к литературным сюжетам, но трактует их отвлеченно, стремясь создать образы вечные огромной духовной мощи. Взявшись за иллюстрацию «Демона», он отходит от прямого иллюстрирования и создает образы «Демона сидящего», затем «Демона летящего» и «Демона поверженного». Врубель сам сформулировал свою задачу так: «Будить душу величавыми образами от мелочной обыденности». Абрамцево связало Врубеля с Римским-Корсаковым, под влиянием которого автор пишет «Царевну-Лебедь», , исполняет скульптуры «Волховы», «Мизгиря». В Абрамцево он много работает над станковой и монументальной живописью. Врубель пробует себя в керамике. Его интересует языческая Русь и Греция, Ближний Восток и Индия. В организации и декоративно-плоскостной трактовке холста, в соединении реального с фантастическим, в приверженности к орнаментальным, ритмически сложным решениям ,все сильнее заявляют о себе черты модерна. Как и Коровин, Врубель много работает в театре. Лучшие его декорации исполнены к операм Римского- Корсакова «Снегурочка», «Садко», «Сказка о царе Салтане». Творчество Врубеля соотносится с символическим направлением в живописи.

Общество 36-ти художников и “Союз русских художников.

В 1903 г. возникло одно из самых крупных выставочных объединений начала века – «Союз русских художников». В него вошли на первых порах почти все видные деятели «Мира искусства» – Бенуа, Бакст, Сомов, Добужинский, Серов, участниками первых выставок были Врубель, Борисов- Мусатов. Лицо «Союза» определяли преимущественно московские художники передвижнического направления, ученики Московского училища живописи ваяния и зодчества, наследники Саврасова, ученики Серова и К. Коровина. Многие одновременно выставлялись и на передвижных выставках. Экспонентами «Союза» были разные по мироощущению художники: С. Иванов, М. Нестеров, А. Архипов, братью Коровины, Л. Пастернак, Организационными делами ведали А. М. Васнецов, С. А. Виноградов, В. В. Переплетчиков. Столпы передвижничества В. М. Васнецов, Суриков, Поленов состояли его членами. Лидером считался К. Коровин.

И. Э. Грабарь (1871-1960) создал пейзажи с лирическим настроением, тончайшими живописными нюансами, отражающими мгновенные изменения в подлинной природе («Сентябрьский снег»). Интерес Грабаря к разложению видимого цвета на спектральные, чистые цвета палитры роднит его с неоимпрессионизмом. При всем интересе к передаче света и воздуха в живописи мастеров «Союза» никогда не наблюдается растворения предмета в цветовоздушной среде. Цвет приобретает декоративный характер.

Виктор Эльпидпфович Борисов-Мусатов (1870-1905) – выразитель живописного символизма и один из первых ретроспективистов. Критики называют его «мечтателем ретроспективизма». Его произведения – грусть по опустевшим «дворянским гнездам» и гибнувшим «вишневым садам», по прекрасным женщинам, одухотворенным, почти неземным, одетым во вневременные костюмы, не несущим внешних примет места и времени. Картины напоминают гобелены, где пространство решены предельно условно и плоскостно, фигуры почти бесплотны. В произведении «Водоем» (1902) девушки у пруда погружены в мечтательное раздумье. Одно из своих полотен автор назвал «Призраки». На нем изображены безмолвные и бездействующие женские фигуры. Тоска по ушедшим временам роднит Борисова-Мусатова с художниками «Мира искусства», возникшему в 1898г.

Начало ”Миру искусства” положили встречи в доме А. Бенуа. Людей, собиравшихся там объединяла любовь к прекрасному и уверенность, что его можно найти только в мире искусства. В этом объединении участвовали почти все известные художники – Бенуа, Сомов, Бакст, Лансере, Головин, Добужинский, Врубель, Серов, К. Коровин, Левитан, Нестеров, Рябушкин, Малявин, даже Ларионов и Гончарова. Огромное значение для формирования этого объединение имела личность Дягилева, мецената и организатора выставок, а в последствии – импресарио гастролей русского балета и оперы за рубежом. Выпуск журнала ”Мир искусства” прекратился в 1904 г., но общность художников сохранилась. В 1910 г. выставочное объединение возродилось под тем же названием и просуществовало до 1924 г. Поэтому историки искусства разделяют ранний и поздний ”Мир искусства”.

Крупнейшие представители раннего ”Мира искусства” А. Н. Бенуа (1870-1966), К. А. Сомов (1869-1939), Е. Е. Лансере (1875-1946), Л. С. Бакст (1866-1924), М. В. Добужинский (1875-1957) известны не только как станковисты, но и как художники книги, мастера театрально-декоративной живописи. ”Мир искусства” не был замкнутой организацией. Среди мастеров раннего ”Мира искусства” оказались художники-москвичи В. А. Серов, К. АА. Коровин, М. А, Врубель и др. Сосуществование трех основных источников творчества – импрессионизма, модернизма и академизма – обусловило тот сложный сплав, который стал выражением русского варианта стиля модерн.

Многие ретроспекции мирискуссников внешне напоминают сюжетные картины академического рода, однако в них есть импрессионистическая острота пространственных построений, неожиданность жеста, позы, свойственная модерну парадоксальность «взаимоотношений» человека, архитектуры и пейзажа.

 В 1905 г. мирискуссники организованно примкнули к «Союзу русских художников», но в 1910 г. после критического отзыва А. Н. Бенуа о художниках «Союза» группа бывших членов ”Мира искусства” официально вышла из состава «Союза русских художников».

”Мир искусства” при всем разнообразии взглядов далек от политической актуальности. Его мастера обращались к академическому искусству. Это связано и с обучением в Академии (Кустодиев Б. М., Яковлев А. Е., Шухаев В, И.) и сознательной опорой на академические методы (Серебрякова З. Е.). Представители ”Мира искусства” обращались в своем творчестве к петровскому времени (Е. Е. Лансере), времени правления Людовика XIV (А. Н. Бенуа, К. А. Сомов). В картинах К. А. Сомова ощущается театральная демонстративность, несвязанность героев картины и окружения («Арлекин и дама»). М. В. Добужинский, напротив, изображает реальный город начала XX в. (Петербург, Лондон), создавая атмосферу предопределенности изображаемой сцены. Петербург – главная тема картин А. П. Остроумовой- Лебедевой (1871-1955), которая возрождает сложную технику гравюры по дереву («Ростральная колонна», 1912). Б. М. Кустодиев (1878-1927) в Академии учился у Репина, создает сказку из обычной ситуации (пастель «Дети в маскарадных костюмах»). С. Ю. Судейкин до вступления в ”Мир искусства” экспонировался в нескольких крупных выставках, в том числе и на выставке «Голубая роза» в 1907 г. Художник стремится сделать красивый предмет еще красивее, изображает цветы, фарфор, бронзу, зеркала. Серебрякова З. Е. (1884-1967) не получила специального художественного образования, но воспитывалась в атмосфере художественного творчества («Автопортрет в костюме Пьеро»). Она - дочь известного скульптора Е. А. Лансере и сестра одного из основателей ”Мира искусства” Е. Е. Лансере, племянница А. Н. Бенуа. Н. К. Рерих (1874-1947), усвоив опыт стиля модерн, делает поверхность холста декоративной, обобщает природные формы до орнаментальности («Никола», 1916). Г. И. Нарбут (1886-1920) – мастер книги, близко сошелся с Билибиным. (иллюстрация к басне И. Крылова «Котенок и скворец», 1913).

Внутреннее единство создателей обуславливалось общим представлением художника как творца, способного изменить мир. Они стремились к эстетизации окружающий среды, но в то же время им был свойственен пассеизм (бегство в прошлое). ”Мир искусства” – блистательный аристократический миф, проявление русского серебряного века в русской живописи, остров чистой красоты в противоречивом мире. Для ”Мира искусства” характерна интеллектуальная сложность живописи.

В 1903 г. возникло одно из самых крупных художественных объединений начала XX в. - «Союз русских художников». В него на первых порах вошли почти все видные деятели «Мира искусства» – Бенуа, Бакст, Сомов, Добужинский, Серов. Участниками первых выставок были Врубель, Борисов-Мусатов. Инициаторами создания общества являлись москвичи. В «Союзе» присутствовали те, кто одновременно участвовали и в передвижных выставках.: С. Иванов, М. Нестеров, А. Архипов, братья Коровины. Организационными делами ведали В. В. Переплетчиков, А. М. Васнецов, С. А. Виноградов. Столпы передвижничества В. М. Васнецов, Суриков, Поленов состояли его членами. Лидером «Союза» считался К. Коровин.

«Союзники» в отличие от петербуржцев-графиков «Мира искусства» - в основном живописцы, обладающие склонностью к декоративности и использованию яркой палитры (Маливин). И. Э. Грабарь (1871-1960) пишет преимущественно сельский пейзаж в импрессионистической технике («Сентябрьский снег», «Мартовский снег»). К, Ф. Юон (1875-1958) – художник, которого привлекает облик старых русских городов, в частности Москвы («Троицкая лавка зимой»). Петербургский мастер А. А. Рылов (1870-1939) во многом продолжает развитие техники своего учителя Куинджи («Зеленый шум»).

В 1907 г. в Москве журналом «Золотое руно» была устроена единственная выставка художников-последователей Борисова-Мусатова, получившая название «Голубая роза». В картинах художников присутствует музыкальность ассоциаций, утонченность цветовых отношений. Ведущим художником «Голубой розы» стал Кузнецов П. Вокруг него еще в годы обучения сгруппировались М. Сарьян, Н. Сапунов, С, Судейкин, К. Петров-Водкин, А. Фонвизин и др. Ближе всего «голуборозовцы» к символизму. Отдельные черты символизма проявились в творчестве Врубеля, Борисова-Мусатова, Н. К. Рериха, Чурлениса. Художники приобщались к символизму через поэзию А. Белого, А. Блока, через оперы Вагнера, Драмы Ибсена, Гауптмана и Метерлинка. В произведениях Кузнецова Павла Варфоломеевича воплощена концепция неоромантики – «прекрасной ясности». Чувствуются вневременные ноты. Экзотика Востока – Ирана, Египта, Турции – претворена в пейзажах Мартироса Сергеевича Сарьяна, которого называют представителем постимпрессионизма в России. После 1950-х гг. название выставки стало нарицательным для обозначения целого направления в искусстве.

В 1910 г. ряд молодых художников объединились в организацию «Бубновый валет» (П. Кончаловский, И. Машков, А. Лентулов, Р. Фальк, А. Куприн). «Бубновый валет» Выступил против тончайших нюансов символического языка «Голубой розы» и эстетического символизма «Мира искусства». «Бубновый валет» исповедовал четкую конструкцию картины, подчеркнутую предметность формы, интенсивные и полнозвучные цвета. Художники допускают упрощения в трактовке формы, иногда подражая лубку, здесь чувствуется тяга к примитивизму. («Звон. Колокольня Ивана Великого», А. В, Лентулов). Мастера видели свои истоки в сезанизме, кубизме, фовизме. Отмечена экспрессия контурного рисунка, стихийная праздничность красок, сочная, пастозная манера письма. Можно говорить о лирическом кубизме Фалька Р. Р.

Крайнее упрощение формы ощущается у М. Ф. Ларионова, одного из основоположенников «Бубнового валета», но уже в 1911 г. порвавшего с ним и организовавшего новые выставки «Ослиный хвост» и «Мишень». В 1913 г. Ларионов опубликовал свою книгу «Лучизм» – манифест абстрактного искусства, подлинными создателями которого в России являлись В. Кандинский и К. Малевич.

Многие из мастеров, близких к «Бубновому валету» входили в петербургскую организацию «Союз молодежи» (основана в 1909 г.). Помимо Шагала в «Союзе молодежи» экспонировались П, Филонов, К. Малевич, В. Татлин, Ю. Анненков, Н. Альтман, Д. Бурлюк, А. Экстер и др. Глава организации – Л. Жевердеев. Также как и «валетовцы», члены «Союза молодежи» выпускали теоретические сборники. Вплоть до распада в 1917 гг. «Союз молодежи» не имел определенной программы, исповедуя и символизм, и кубизм, и футуризм. Филонов ближе всего к футуризму, но проблематикой далек от него.

Таким образом, в начале XX века наряду с экспериментами абстрактных форм продолжали работать «мирискуссники», «голуборозовцы», «союзники», «бубнововалетовцы». Существовала струя и неоклассического искусства (З.Е. Серебрякова). Кузьма Сергеевич Петров-Водкин обращался к традициям древнерусской живописи. Картина «Купание красного коня» написана по ассоциации с Георгием-Победоносцем.

Лекции по Истории русского искусства